É justo dizer que o White Cube pousou em Nova York com força. A megagaleria com sede em Londres possui locais em Paris, Hong Kong, West Palm Beach e Seul, e abriu suas portas aqui no mês passado com uma exposição coletiva de artistas badalados que o New York Times chamado uma demonstração de força.
Sukanya Rajaratnam do Cubo Branco.Foto de Weston Wells / cortesia da White Cube
5 de julho signo do zodíaco
Nas últimas duas semanas, a galeria anunciou que agora representa Richard Hunt e o arquivo de Lynne Drexler. A Startracker conversou recentemente com Sukanya Rajaratnam, que se juntou à equipe da White Cube em Nova York como diretora global de iniciativas estratégicas de mercado, para saber o que essas mudanças significam para a galeria e para o mercado de arte em geral.
Muitas vezes pensamos nas galerias como se tratando de artistas chamativos e promissores, mas essas novas adições à lista do White Cube também sinalizam um forte mercado para trabalhos mais antigos. Falando de modo geral, que tipo de colecionador prefere o tipo de obra que já está nos livros didáticos de história da arte?
Costumava acontecer que a arte correspondia à idade demográfica, mas encontro coleccionadores cada vez mais jovens a olhar para a arte mais antiga como algo que foi testado pelo tempo e tem um lugar na história da arte. Esses colecionadores tendem a ser atenciosos com o que adquirem e como o objeto corresponde às suas crenças, ao seu valor e viabilidade a longo prazo, e não apenas como uma peça decorativa em sua casa.
Richard Hunt sempre foi bem apoiado pelas instituições, com uma exposição individual no MoMA em 1971, quando tinha apenas 35 anos. Seu mercado também sempre foi forte?
Richard não apenas fez sua primeira exposição no MoMA em 1971, aos 35 anos, mas o museu adquiriu uma escultura significativa, Aracne (1956 ) , quando tinha apenas 21 anos. Ao longo da sua vida, teve mais de 150 exposições individuais e o seu trabalho está bem representado nas coleções permanentes de vários museus importantes do país. E, no entanto, o seu mercado é subdesenvolvido e a representação da sua galeria tem sido escassa. Eu disse que Richard é um gigante escondido à vista de todos porque seu trabalho merece ser celebrado na companhia de seu colega David Smith e de seus antecessores, Alberto Giacometti e Julio González, ambos influências iniciais. Infelizmente, este é mais um caso de preconceito sistémico no mundo da arte que está agora a ser corrigido.
O que você pode nos contar sobre sua primeira exposição na galeria, que será inaugurada em Nova York na primavera de 2024?
A mostra seguirá o exemplo da exposição do MoMA em 1971, mas será centrada em Cabeça de herói (1956), que não foi incluída naquela exposição. Esta é a peça que galvaniza tudo, pelo menos na minha perspectiva, porque é uma homenagem a Emmett Till. Richard tinha dezenove anos quando compareceu ao funeral de caixão aberto de Till em Chicago e só podemos imaginar o que isso causou à psique de um jovem negro. Mesmo que a forma seja semi-cubista, pode-se ver um olho machucado e um rosto inchado, e é claramente sobre o horror daquele momento. A beleza do trabalho de Richard é que ele se liga perfeitamente à história da escultura do século XX, mas carrega consigo uma narrativa de dor, tanto pessoal quanto coletiva, e o desejo simultâneo de liberdade. Anos de Peregrinação (1999), o trabalho que apresentamos na Art Basel Miami Beach, é formalmente um desenho no espaço, mas é um arado abstrato de um meeiro, que se refere às origens de sua família como colhedores de algodão na zona rural da Geórgia e à sua migração para o norte.
Lynne Drexler é frequentemente descrita como esquecida, mas o mesmo pode ser dito de muitas mulheres expressionistas abstratas. Por que você acha que foi esse o caso?
É outro exemplo do preconceito que permeia o mundo da arte há muito tempo. A maioria das mulheres foi relegada ao papel de namorada ou esposa. Veja-se Lee Krasner – um pintor fantástico que permaneceu na sombra de Jackson Pollock muito depois da sua morte e cujo mercado só recentemente atingiu o reino dos vários milhões. Seu recorde em leilões é inferior a US$ 12 milhões – uma fração do preço que seus contemporâneos do sexo masculino venderiam. Lynne Drexler tem uma história semelhante, embora os seus preços de leilão tenham agora excedido em muito os do seu marido, John Hultberg. Ela o conheceu e se casou em 1961, ano de seu primeiro show solo em Nova York, e depois disso foi relegada ao papel de sua esposa enquanto ele bebia e namorava. Ela disse a famosa frase: Sou serva de um gênio. É uma surpresa para mim que ela tenha continuado a fazer as pinturas ferozmente belas que fazia.
Quais períodos de seu trabalho são mais procurados?
É um mercado que tem menos de dois anos e, até agora, as pessoas gravitaram em torno do seu trabalho inovador de 1959-62. Isto não é incomum, e vimos isso com Joan Mitchell, cujas datas coincidem com as de Lynne, e cujo trabalho posterior só agora alcançou valor em relação ao trabalho anterior. Na última rodada de leilões de Nova York, um Girassol uma pintura de 1990-91 foi vendida por US$ 28 milhões, enquanto uma pintura anterior de 1959 foi vendida por US$ 29 milhões. No caso de Lynne, são quatro décadas de material para contextualizar em exposições, e cada período é brilhante.
Os movimentos da galeria respondem a um mercado de arte incerto? As pessoas querem material testado e comprovado nesta economia?
A galeria existe há trinta anos e superou muitos ciclos econômicos. É fiel à visão de Jay Jopling, que sempre foi sobre os artistas. Manter essa integridade é importante. O dinheiro sempre segue.
zodíaco 6 de janeiro
Você veio de Mnuchin para White Cube, que é conhecida por seus shows dinâmicos de pessoas como Frank Stella e Sam Gilliam. O que uma galeria pode fazer para manter as obras de arte vintage frescas?
A curadoria é vital, especialmente quando se trata de obras vintage. Tudo, desde a escolha dos objetos até o espaçamento entre eles e o diálogo que eles criam entre si, é importante para a forma como uma obra é percebida. David Hammons uma vez me disse que uma instalação deve parecer um poema – o comprimento da linha, a colocação da pontuação, o ritmo da leitura – tudo isso contribui para a forma como ela chega.