Lauren Ambrose em Minha Bela Dama. Joana Marcus
Presumo que não haja uma alma viva com mais de 20 anos que não tenha visto pelo menos uma produção de Minha Bela Dama. Isso é bom, porque para o polêmico novo renascimento deste musical histórico, indicado ao Tony, atualmente em exibição no Lincoln Center de Nova York, você precisa se lembrar dos outros. Isso não significa que não seja tão encantador como sempre. Mas o maravilhoso diretor Bartlett Sher, que nunca faz nada de errado, fez algo que, embora não seja exatamente desastroso, é, na minha opinião, decididamente decepcionante.
Conforme amplamente reconhecido em notícias e até mesmo em críticas, Sher disse que o #Eu tambémo movimento foi, em parte, o que o levou a reescrever e remodelar o final. Sem spoilers, por favor, mas depois de quase três horas de alegria, você não irá mais embora feliz. Pela primeira vez na minha vida, saí Minha Bela Dama triste como um carregador de caixão. Não desejo transmitir a falsa impressão de que tenho algo contra o movimento #MeToo em geral, mas desaprovo firmemente a mudança do final de um clássico musical americano estabelecido para esse ou qualquer outro movimento político.-ou por qualquer motivo.
Não se preocupe. Ainda existem inúmeras razões para nos alegrarmos. Primeiro, há uma peça central que transforma a carreira da espetacular Lauren Ambrose como Eliza Doolittle. Ela é uma moleque suja, vestida de trapos, vendendo violetas em um meio-fio em frente a Covent Garden, que se torna o foco de uma aposta do professor Henry Higgins, um arrogante esnobe londrino e especialista em linguística que aposta que pode transformar o mais humilde sargento em uma dama digna de usar uma coroa real. para um baile da embaixada.
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Comprando Eliza por apenas cinco libras de seu pai, um lixeiro imprestável (interpretado, não muito sutilmente, por um indisciplinado Norbert Leo Butz), o professor Higgins a leva para sua elegante casa na Wimpole Street e começa a cruel e didática ritual de alimentar, vestir e transformar um maltrapilho em uma dama real distinta e invejada pela sociedade britânica em seis meses. Primeiro, ele se dedica à tarefa de ensiná-la a conquistar a língua inglesa, depois se vestir como uma duquesa e andar como uma rainha. O humor e a sabedoria da guerra de classes são brilhantemente invocados, ilustrados e realçados por uma das maiores partituras já escritas por Alan Jay Lerner e Frederick Loewe.
As coisas começam mal, porque Ambrose se joga no papel de uma criança abandonada cockney com um sotaque forte como concreto. O resultado é que não consegui entender uma palavra que saiu de sua boca durante quase toda a primeira hora, tornando o primeiro ato extremamente impossível. Esse aborrecimento não dura tanto quanto parece.
O ponto de viragem, claro, é The Rain in Spain. Depois que ela aprende o segredo de abrir a língua e rolar as vogais enquanto restaura seus H e nivela seus A, Ambrose é pura magia e, uma vez que ela ganha impulso, não há como pará-la. No momento em que ela faz sua primeira aparição pública na cena de Ascot, ela já está polindo o brilho e o esplendor que trabalhou tão servilmente para alcançar. Quando a voz dela sobe em I Could Have Danced All Night, os aplausos são bem merecidos. Sou fã desde que ela explodiu na tela na fascinante série de TV da HBO Seis pés abaixo, mas quem diria que ela poderia cantar com tanto poder, beleza e clareza? Como um cogumelo venenoso cockney que se transforma em uma saborosa trufa, ela é a descoberta do ano.
Como Professor Higgins, Harry Haddon-Paton (você o conhece desde Abadia de Downton) não é nenhum Rex Harrison, mas seu egoísmo flagrante cresce em você, como um líquen. Diana Rigg, que já interpretou Eliza em um revival britânico altamente elogiado, é devidamente refinada e humanamente vencedora como a mãe do professor Higgins, que se torna a aliada inesperada de Eliza. Norbert Leo Butz abre caminho em Get Me to the Church on Time com energia, mas não entendo por que ele é acompanhado por um coro de homens bigodudos e travestis. O cenário de Michael Yeargan e os figurinos de Catherine Zuber capturam totalmente a pompa e a graça suave da era patrícia eduardiana.
Então tudo deslumbra até a resolução final. Em Eliza, o professor Higgins cria sua obra-prima, mas o que será dela? Tudo mudou, inclusive seu status dedicado de solteiro confirmado. Mas a única coisa que a sua criação não consegue alcançar é o sentimento de amor e reconhecimento que ela precisa do homem que aprendeu a amar. Suas táticas podem ter sido insensíveis e dolorosas, mas ele também a ama. É por isso que ele canta I’ve Grown Accustomed to Her Face. Em todas as outras versões ela acredita nele e eles vivem felizes para sempre. Não nesta produção. Distorcer os sentimentos de 1913 com os valores de 2018 apenas para que Eliza possa defender sua integridade desequilibra tudo.
O raciocínio tortuoso por trás desses ajustes desnecessários, além da necessidade de honrar a tendência atual para empoderar as mulheres por meio do politicamente correto sexual, é o boato de que George Bernard Shaw evitou finais felizes de qualquer forma e negou a Eliza e ao Prof. futuro em sua peça original Pigmalião, que estreou em Viena em 1913, seguido por produções em Londres e Nova York no ano seguinte. Dirigido pelo autor, Pigmalião ignorou todos os apelos para se juntar à transformada Eliza e seu mentor, Prof. Higgins, em casamento.
Mas em Londres, para exasperação de Shaw, a resolução da peça foi alterada sem a sua aprovação ou permissão, para dar ao público popular o final otimista que desejava. Shaw lutou contra essa ideia até a versão cinematográfica de 1938, estrelada por Leslie Howard e Wendy Hiller, que deu ao público o que ele queria.
O final triunfante que estabeleceu Pigmalião como a peça mais popular de Shaw foi mantida em todas as versões desde então, incluindo a histórica produção da Broadway de 1956 de Minha Bela Senhora, dirigido por Moss Hart, que durou seis anos e meio com Rex Harrison e Julie Andrews, e a colossal versão cinematográfica de George Cukor, vencedora do Oscar de US$ 17 milhões em 1964, que ganhou oito Oscars, incluindo um para Rex Harrison por repetir seu papel original ao lado da requintada Audrey Hepburn. Todos acabaram sorrindo. Agora, quando esta produção termina, apesar das canções maravilhosas e da generosa exibição de talento à vista, o som que você pensa ouvir não é de aplausos; é a agonia de alguns dos nomes mais ilustres da história do teatro, revirando-se nos seus túmulos.